Revolución Industrial y más

Tomado de http://www.psicofxp.com/forums/recursos-tipografias-teoria-tutoriales.544/249366-historia-del-diseno-vanguardias.html

Aspectos
Politicos y sociales:
- Inglaterra se convierte en el país más poderoso de Europa y en el “taller” del Mundo, gran potencia naval exportadora de productos.
- El poder político se desplazó de la aristocracia hacia la burguesía, conformada por los fabricantes capitalistas, comerciantes y empresarios.
- Formación de una clase social formada por los obreros de fábricas, el proletariado, dueños únicamente de su fuerza de trabajo.
- Traslado de la clase trabajadora del campo a la ciudad, lo que implicó una degradación de la calidad de vida, el hacinamiento en las viviendas y la aparición de barrios insalubres.
- Surgen malas condiciones de trabajo, acompañadas de la falta de legislación que protegiera a los trabajadores quienes eran mal remunerados y debían cumplir con largas jornadas laborales. Así también surge la huelga.
- Se produce una profunda urbanización, producto del éxodo rural.

Economicos:
- La energía fue el impulso básico para la transformación de la sociedad agrícola en una sociedad industrial.
- El perfeccionamiento de la máquina de vapor, la electricidad y los motores a gasolina aumentaron la productividad.
- El trabajo se trasladó de la fabricación de productos primarios a la de bienes manufacturados y servicios.
- La inversión de capital en máquinas para la fabricación masiva llegó a ser la base del cambio industrial y el desarrollo.
-Traslado de la actividad del taller a la fábrica, y de una economía artesanal a un industrial.
- Producción en masa que produjo un incremento de productos disponibles y la reducción de costos.
- Conformación de los grandes mercados nacionales e internacionales.
- Fortalecimiento del mercado nacional. Prospera la actividad mercantil, industrial y económica.

Culturales:
- Con la democratización de la enseñanza, surge un gran aumento en la demanda de libros y material escrito.
- Gran importancia de los periódicos.
- En el terreno urbano, se instalan los negocios en las calles mas importantes, y surge la necesidad de la publicidad para la comercialización de los productos.
- Las artesanías y la unidad de diseño y producción que tenía el artesano llegan a su fin.
- Se formaron grandes centros de investigación, laboratorios y museos.

Tipografía
- Las necesidades masivas de comunicación de una creciente sociedad urbana e industrializada produjeron la expansión de imprentas comerciales, anuncios y carteles.
- La tipografía ya no era utilizada solo para textos, por lo que se necesito una clase diferente de carácter, tan-gible y expresivo, y de mayor tamaño e impacto visual para poder leerse a distancia.

- La era industrial requería que las letras del alfabeto se transformaran en formas visuales abstractas.
- Se producen rediseños de tipografías basados en las Romanas Clásicas.

- Hubo 3 innovaciones importantes:
A. Negrita: Creada por Cotterell en 1765, se trata basicamente de una letra romanas con rasgos mas gruesos y mayor contraste y peso.
B. Egipcias (Mecanas) se caracterizan por serif rectangulares y gruesos, peso uniforme y ascendentes y descendentes cortos. Incluyen las:
1. Jónicas: presentan patines con pequeños corchetes, mayor contraste entro los trazon finos y gruesos.
2. Clarendon: letra egipcia mas condensada, con mayor contraste entre rasgos finos y gruesos y serif más ligeros.
3. Toscanas: serifs curvados y extendidos, gran cantidad de variables.
C. San-Serif: no prensentan serif y los rasgos tienen el mismo espesor.

Litografía
Técnica inventada por Aloys Senefelder en 1796. El proceso consiste en grabar con instrumentos grasos sobre placas planas de piedra. Al ser una técnica más libre, presentó mas posibilidades que la imprenta tipográfica. En 1800 comenzon a experimentar con litografías multicolor.
En 1846 Richard Hoe perfeccionó la prensa litográfica, usando placas curvas metálica en vez de piedra.
La litografía permitió una aproximación más fluida al lenguaje de la imagen, a la vez que logró el impacto gráfico por medio de la simplificación.

Fotografía
Surge en 1826, de la mano de Niepce. La primera fotografía existente es una placa delgada de peltre que Niepce expuso durante todo el día.
Daguerre y Talbot fueron perfeccionando poco a poco la técnica.
Fotograbado: se trabaja utilizando ácidos sobre una plancha metálica donde se ha reproducido la tipografía.
Esta técnica se aplicó en la producción gráfica periodística y de libros.

Movimiento de Artes y Oficios

Objetivo
La calidad del diseño y la producción de libros, salvo algunas excepciones, fue un desastre en la Revolución Industrial.
El movimiento de Artes y Oficios que floreció en Inglaterra durante las últimas décadas de l siglo XIX, fue una reacción contra la confusión artística, moral y social de la Revolución Industrial.Se defendió el diseño y el regreso a la destreza manual, y fueron aborrecidos los artículos producidos en masa, “baratos y descartables”, de la era victoriana.
El guía del movimiento de Artes y Oficios inglés, William Morris, demandó una reconsideración de los propósitos, valorar la naturaleza de los materiales y métodos de producción, así como las manifestaciones individuales tanto del diseñador como del trabajador.
Representantes
William Morris
Frederic Goudy
Stanley Morison
Bruce Rogers
Les unía el deseo de ver al diseñador con un status semejante al del pintos o el arquitecto y de producir objetes bien diseñados y asequibles a todos los niveles sociales.
El escritor y artista John Ruskin inspiró la filosofía de este movimiento: rechazó la economía mercantil, insistió en l unión del arte con el trabajo para el servicio de la sociedad, fomentó la idea de que las cosas bellas eran valiosas y útiles solo por ser bellas, se preocupó por la justicia social.

William Morris:nacido en Inglaterra, es una figura fundamental en la historia del diseño. Con su experiencia en arte y arquitectura funda, en 1861, Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño industrial que el personalmente financia, que produjo muebles, objetos, papeles de pared, azulejos, tapicerías, vidrieras emplomadas y alfombras.
William Morris fue un artesano, diseñador, impresor, poeta, escritor y activista político y durante gran parte de su vida se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales abominando de las modernas formas de producción en masa. Le dedicó especial atención al diseño gráfico, en especial al diseño tipográfico y el aspecto visual del libro como unidad.
Decía que el arte y el oficio pueden combinarse para crear objetos bellos, desde edificios hasta ropa de cama.
En el diseño editorial, su principal inspiración eran el arte medieval y las configuraciones botánicas. Realizó diseños muy trabajados, con un estudio de todos los elementos que intervienen en la página. Sus diseños eran muy sobrecargados y contenían una decoración basada en la vegetación. Su más importante lección consistió en la distribución de la mancha impresa sobre la página en blanco.
Novedades en el diseño de William Morris
La extraordinaria influencia que tuvo William Morris sobre el diseño gráfico, especialmente en el diseño del libro, no fue la imitación estilística directa de los modelos de tipos, las iniciales y los ribetes. Más bien, el concepto de Morris del libro bien hecho, sus bellísimos diseños de tipos de letra, su sentido de la unidad del diseño y de los más pequeños detalles relacionados con el concepto total, inspiraron a toda una nueva generación de diseñadores de libros.
Sus libros conforman un todo armonioso y sus páginas tipográficas, que constituyen la abrumadora mayoría de las páginas de sus libros, fueron concebidas y realizadas a partir de un estilo ameno. Su demanda por la destreza, la honestidad en los materiales, el hacer lo utilitario hermoso y adecuar la concepción del diseño para que sea práctico, fueron actitudes adoptadas por las generaciones siguientes.
El efecto de largo alcance de William Morris constituyó un mejoramiento significativo del diseño del libro y de la tipografía en todo el mundo.

Diseño tipográfico
William Morris creó unos tipos que representaban el ideal de la era. Llamó Golden a su primer tipo de letra (1889-1890), basado en los caracteres romanos llamados venecianos, creados por Jenson en el s. XV.
Entre 1891 y1892 desarrolla el tipo Troy, un estilo de letra gótica cuyos caracteres son notablemente legibles. Hizo los caracteres mas anchos, aumentó las diferencias entre los caracteres similares e hizo más redondos los caracteres curvos.
Asimismo creó líneas, ornamentos e iniciales para apoyar y complementar sus alfabetos.
Frederic Goudy nació en 1865 en Illinois (USA).
En 1899, en Chicago, se convirtió en diseñador independiente y se especializó en letreros y diseño tipográfico.
Diseño un total de 122 tipos de letras por su cuenta.
La variedad y la destreza de su trabajo lo hacen el mas prolifero diseñador estadounidense de tipos.
Algunos de los tipos diseñados por Goudy son: Goudy Old Style y Goudy Newstyle.

William Swiddins alumno de Goudy, demostró ser un diseñador de libros muy culto.. El creó la frase “Diseñador Gráfico” para describir sus actividades profesionales. Diseño el Caledonia, uno de los tipos mças ampliamente utilizados para libros en Norteamérica.
Bruce Rogers nació en1870 en Indiana (USA).
Llegó a ser el diseñador estadounidense de libros más importante del siglo XX. Después de graduarse de la Universidad, se convirtió en ilustrador de periódicos.
Diseñó varios libros bajo fuerte influencia del Movimiento de Artes y Oficios. Su trabajo dio la clave para el buen diseño del libro del siglo XX.
Trabajó para la imprenta Riversida hasta 1912, año en el que la abandono para convertirse en diseñador de libros independiente.
Poseía un notable sentido de la proporción y la precisión visual.
Rogers era un clasicista que revivió las formas del pasado.

Art Noveau
Desde el año 1890 al año 1910 surge un estilo de transición entre el historicismo y un estilo moderno que buscaba cambios e innovación.
Se trata de un estilo decorativo, caracterizado por la explosión de formas que invadieron todas las artes del diseño, arquitecturas, modas, productos, gráficos, etc.
La linea es un elemento fundamental en la composición, se organiza en configuraciones que derivan de formas orgánicas.
Es un arte nuevo donde la estructura, decoración y función están unificadas, debido a que a veces las formas eran inventadas en vez de copiarse de la naturaleza o el pasado.
Se dio además una estrecha colaboración con el movimiento simbolista francés de la literatura con su rechazo al realismo, a favor de la metafísica.
El arte Nouveau para algunos fue una expresión de la decadencia de finales del siglo y para otros fue una reacción contra la decadencia y el materialismo de esa época.
Los diseñadores gráficos y los ilustradores trataron de hacer del arte parte de la vida cotidiana y fueron capaces de mejorar significativamente la calidad visual de las comunicaciones masivas.
Tuvo un carácter internacional por los avances de la tecnología de transportación y las comunicaciones, tuvo gran importancia la imprenta, como en la estampa japonesa que se abrió a occidente.
La transición de los gráficos victorianos al estilo Art. Nouveau fue gradual, los artistas gráficos Jules Cheret y Eugene Grasset tuvieron un papel importante en la transición.
En el año 1881 una nueva ley francesa permitió la libertad de prensa la que trajo aparejado una industria floreciente de carteles, diseñadores, impresiones, etc. Las calles de convirtieron en galerías de arte.

Se desarrolla aproximadamente desde a el año 1890 a 1910.
- Surge en Francia, pero se traslada a toda Europa y Estados Unidos
- Francia: Art Nouveau
España: Modernismo
Italia: Liberti
Alemania: Jugenstil
Austria: Seccession
Inglaterra: Modern Style
Estados Unidos: Modern Style
En este periodo se produce una descentralización, por lo que no se da solo en las ciudades y países mas grandes, sino también en otras ciudades y naciones mas pequeñas.
- Características:

Época plagada de grandes cartelistas.
Estilo de transición. Fase inicial del movimiento moderno. Preparó el camino al siglo XX al eliminar el espíritu decadente del diseño.
Arte de carácter internacional, posibilitado por los avances de la tecnología de la trasportación y las comunicaciones.
Asimilación de nuevas tendencias visuales debido a las amplias posibilidades del campo.
La forma gráfica por excelencia en la que se manifiesta el estilo es el cartel.
Estilo decorativo. Explosión de formas que invade todas las áreas del diseño (diseño urbano, moda, mobiliario, objetos, joyas, etc.)
Estrecha colaboración entre los artistas visuales y los escritores.
Unificación entre la decoración, la estructura y la función.
La linea es un elemento fundamental. Se organiza en configuraciones que derivan en formas orgánicas.
Los diseñadores gráficos e ilustradores trataron de hacer del arte parte de la vida cotidiana.
- Influencias:
Las ilustraciones de los libros de William Blake
Ornamentos Celtas: abundante decoración en espacios reducidos.
Rococó: uso de la línea. Sinuosa, movida y decorativa.
Arte Gótico tardío: uso de la línea, fluida y orgánica.
Estampa Japonesa: simplificación de la forma, linea como contorno. Decorativismo (colores y motivos decorativos). Manchas planas de color.
Simbolismo: evocación de los estados de ánimo. Rechazo del realismo.
Arte Contemporáneo: particularmente las obras de Van Gogh.
Movimiento de Artes y oficios: toma los principios de William Morris y Rusfi.
- Temas:
Temas relacionados con lo naturalista (Flora y Fauna). Zarcillos de vid, flores como la rosa y el lirio, pájaros.
Figura femenina: doncellas, soñadoras, misteriosas, sensuales.
Temas simbólicos: el nacimiento, la vida, la muerte, el desarrollo y la decadencia.
Jules Cheret

Jules Cheret fue considerado el padre del cartel moderno y de la liberación femenina.
Hijo de un tipógrafo, a los 13 años aprende principios de tipografía, luego de dibujo y litografía.
Realizó carteles con la técnica litográfica.
Gracias al apoyo económico de Rimmel, pudo establecer una imprenta en París y mejorar sus aprendizajes de litografía a color (cromolitografía) y adquirir la tecnología más avanzada.
En la década de 1980 utilizó una linea negra con los colores primarios: rojo, azul y amarillo. Con estos brillantes colores logró una vitalidad gráfica y una sutil sobreimpresión permitió una escala sorprendente de efectos y de color, graneado y sombreado, suaves baños tipo acuarelas, atrevidos trazos de color caligráficos, raspaderas, etc., fueron usados en su trabajo; su composición típica era una figura central o figuras con gesticulaciones, rodeados de color con figuras secundarias.
Produjo carteles para salones de conciertos, teatros, bebidas, medicínales, etc. Creó las bellas mujeres apodadas ^Cherette^, que eran arquetipos donde se idealizaba a la mujer, eran bellas mujeres felices, seguras de si mismas que disfrutaban la vida al máximo.
Realizó carteles de tamaños antes no usados. Incluso algunos de hasta 2.30 m de alto, imprimiendo la imagen en seccione para luego ser pegadas por los pegacarteles.
La tirada total anual de sus diseños llagaba casi a las 200 mil copias.

Eugene Grasset
Nacido en Suiza, se dedicó a diseño y a la ilustración.
Contemporáneo de Cheret, fue el primer diseñador, ilustrador que rivalizó con Cheret, en popularidad pública.
Su estudio del arte medieval y su fascinación por el arte oriental y lo exótico se reflejó fuertemente en sus diseños de muebles, vitrales, textiles y libros.
El diseño de Grasset muestra una integración total de ilustraciones, formatos y tipografía. Utilizo los ribetes decorativos para enmarcar el contenido y buscó la integración de la ilustración y el texto en una unidad. Sus doncellas eran altas, esbeltas, con poses estáticas anunciando tintas, chocolates, cervezas, etc. Eran dibujos en grueso contorno negro y áreas planas a color. Sus figuras imitan a Botticcelli. Tuvo gran influencia medieval y oriental utilizo colores de baja intensidad contrastaban fuertemente con los colores brillantes de Cheret.

Henri de Toulouse – Lautrec

Nació en Albi (Francia) en 1864.
Grabador, dibujante y pintor.
Desde pequeño demostró grandes habilidades para el dibujo y la pintura transponiendo al lienzo todo lo que a su alrededor se desarrollaba
Fue admirador del arte japonés, el impresionismo y los contornos y diseños de Degas.
Desarrolló un estilo ilustrativo y periodístico. Extraordinaria fuerza expresiva. Dibujo ágil y espontaneo.
Tuvo un gran dominio del dibujo directo sobre la piedra litográfica.
Sus personajes son sencillos, utiliza la linea decorativa, tintas planas y lisas y un dibujo sinuoso, quebrado y rápido.

Temas: la vida nocturna de París, cafés-concierto, teatros, bailes, tabernas, burdeles y cabarets.
Prefiere el tema de la figura humana y no el paisaje, el significado humano de sus figuras se trasluce en la actitud o en la forma en que se mueve.

Produjo solamente 32 carteles y un modesto número de diseños de música y cubiertas de libros.

Alphons Mucha

Artista checo, nacido en 1860.
Demostró grandes habilidades para el dibujo desde su infancia.
Ganó firme aceptación como un ilustrador confiable.

Obra homogénea, densa y recurrente. Síntesis orgánica de repertorios, caligrafías, composición y tipografía.
Habilidad para armonizar sus composiciones. Diseño del cartel como unidad, relación entre la tipografía y la imagen.
Elaboración de formas modernistas.
Importante diseño tipográfico.
Desarrollo de un variado utillaje tipográfico (orlas, filetes, viñetas, signos, capitulares, etc)
Temas: su tema dominante era una figura central femenina rodeada de formas estilizadas, derivadas de plantas y flores, mosaicos bizantinos y aún lo mágico y oculto.
Sus mujeres prototípico sentido de irrealidad. Exóticas y sensuales, y sin embargo, semejantes a doncellas.
Proceso sintético de resumir en sus figuras femeninas una nueva dimensión sensual.
Su volumen total de producciones es sorprendente. Realizó carteles, almanaques, ilustraciones, escenografías y acessorios.

Cubismo

Francia (1907 – 1914) Se inicia con la obra “Les Demoiselles d’ Avignon” de Pablo Picasso
Se busca acercar el arte a la ciencia. Representación simultánea de lo que se ve y lo que se sabe del objeto.
Reduce las figuras a las formas geométricas esenciales.
Rechaza la representación del aire, de la luz natural, de la emoción sentimental y del contenido literario del tema.

Cubismo geométrico: se geometriza tanto la figura como el fondo. El espacio avanza, rebatiendo los planos posteriores. El color se reduce a gamas de poca variación, aunque todavía se advierten las diferencias tonales.
Cubismo analítico: la representación es cada vez mas planimétrica. Se considera al espacio no como un lugar estático sino como un campo de fuerzas múltiples. Hay una desintegración total del objeto. Se incorpora el concepto de cuarta dimensión. Pierde importancia el color, se usan colores neutros. Collague.
Cubismo sintético: figuras más amplias y significadas, a menudo realizadas con colores intensos y generalmente planos. Reconstrucción del objeto sobre el plano. Síntesis formal. Collage, nuevos materiales. Recobra importancia el color.
Paul Cezanne: geometrización de la naturaleza.
Teoría de la Relatividad de Albert Einstein: 4ta dimensión.

Pablo Picasso y George Braque

“Les Demoiselles d’ Avignon” Pablo Picasso
“Oleo sobre tela” George Braque

Toma del cubismo la síntesis geométrica y la técnica del collage, aplicada especialmente a la tipografía.

Futurismo

Italia. Se inicia en 1909 con el Manifiesto Literario de Marinetti
Arte revolucionario que surge en la época del fascismo y revoluciona todas las srtes poniendo a prueba las formas y las ideas contra las nuevas realidades sociales.
Prodomina el interés por el movimiento y la velocidad de objetos y figuras.
Utilizan una amplia gama cromática con color fragmentado.
Utilizan la técnica divisionista, repitiendo la misma imagen varias veces como una secuencia fílmica. Libertad en el uso de la tipografía.
Neoimpresionismo: Seurat
Cubismo: en cuanto al concepto y el análisis de la forma. Representación simultánea. Técnica.
Nietzsche: Nihilismo / Beliscismo / Nacionalismo
Rayos x: radiografía.
Cinematografía: representación del movimiento.

Giacomo, Balla, Marinetti, Duchamp y Boccioni.

“Desnudo descendiendo la escalera” Duchamp
“Dinamismo de un ciclista” Boccioni.
En 1913 surge el periódico Lacerba, en el cual el diseño tipográfico es tomado como un “campo de batalla”.
Revolución tipográfica contra la tradición clásica. Se le da un carácter nuevo a la tipografía, con saltos y estallidos de estilo que van surgiendo a lo largo de la página. Se usan diferentes tipos de letras, tamaños y colores.
Se libera a la tipografía de su alineación tradicional y esta puede tomar formas visuales concretas.

De Stijl

Holanda (1917)
Grupo de artistas con el interés común por el arte abstracto geométrico.
Fundado y dirigido por Theo Van Doesburg.
Proponen un arte basado en el Elementalismo.
Diseño asimétrico.
Filosofía utópica, en cuanto a la sociedad y la estética.
Elaboración teórica de diversos manifiestos.
Composiciones geométricas.
Planos de colores puros.
En la revista que publicaban (De Stijl) pueden apreciarse las primeras verisones de la nueva tipografía, doctrina formal que impuso definitivamente el uso de la tipografía de palo seco.
Estructuras reticulares.
Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban expresar la conciencia general de su época.
Para los artistas de De Stijl, la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra.
Las pinturas de Mondrian se vieron influenciadas por el cubismo.
Van Gogh.
Piet Mondrian
Bart Van Leck
Theo Van Doesburg
J.J. P. Oud
“Composición XI” Theo Van Doesburg.
“Composición en rojo, amarillo y azul” Mondrian
Por la obra de Mondrian el movimiento adquiere reconocimiento internacional.
Construyó composiciones asimétricas, en las cuales la tensión y el avance de los elementos alcanzaron una absoluta armonía. Se limitó al uso de los colores primarios con blanco y negro, en tanto q las figuras y las formas quedaron limitadas a lineas rectas, cuadrados y rectángulos.

Suprematismo y Constructivismo ruso

Durante la turbulencia de la Primera Guerra Mundial y de la Revolución Rusa hubo un florecimiento del arte creativo, que ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX.
Surge en un momento de grandes desordenes civiles, el Imperio empobrecido por la guerra.
La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término de cubofuturismo.
Antecedentes: Cubismo, Futurismo
Modernismo gráfico: simplificación de la forma, grandes planos de colores puros.
Experimentación con tipografía, nuevas estructuras para libros y periódicos.
Libro simbólico, con el se buscaba representar la pobreza del pueblo.

Kasimir Malevich
Malevich fundó un estilo de formas básicas y de color puro al que llamó Suprematismo. (1914)
Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, creo una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura.
Rechaza tanto la función utilitaria de arte como la representación gráfica.
El mundo de la no representación.
Abstracción absoluta.
Propone un conocimiento del mundo como algo no objetivo. concepción de un mundo sin objetos.
Empleo de colores planos contrastantes, en general primarios y también gamas intermedias, sin dejar de incluir nunca el blanco y el negro.
Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.
Propone la autonomía del artista como creador de su obra.
Después de la revolución Soviética, Malevick colaboró en el nuevo diseño gráfico realizando magníficos carteles. Fundó un estilo de formas básicas y de color puro.
Genera dinamismo con las diagonales.
Sujección a la bidimensionalidad propia de la tela que tiende a identificarse con el mundo.
Constructivismo: el diseño racional. Rusia, 1917.
Los artistas debían deja de producir cosas inútiles. Buscaban consagrar al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
Consistía en un lenguaje visual de masas, tanto en diseño como en arquitectura simbólica y propagandís-tica.
Se buscaba reemplazar el estilo por la técnica.
Se despojan de ornamentos.
Expresión de una nueva forma social y visual.
Trabajan generalmente con tipografías sin serif, muy pesadas y geométricas.
Exprerimentan con fotografía.
Fotomontaje y fotogramas (Se proyectan luces sobre papel sensible para construir formas.)
Trabajos de apoyo a la política.
Práctica forma constructiva, pintura espacial.
Ordenamiento de los elementos estéticos bajo criterios esencialmente matemáticos.

Vladimir Tatlin
El objetivo de Tatlin era liberar al arte de toda interpretación emocional y burguesa de la realidad en favor de un nuevo lenguaje abstracto
El Lissitzky
Pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo, fue quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista. Influyó profundamente en el curso del diseño gráfico. Las propiedades matemáticas y estructurales de la arquitectura se convirtieron en las bases de su arte.
Sus contactos incluía a Malevich, la corriente De Stijl, la Bauhaus, los dadaístas y otros construcitvistas. El acceso a excelentes imprentas de Alemania le permitieron desarrollar rápidamente sus ideas tipográficas. Su tremenda energía y su trayectoria de experimentación con le fotomontaje, la impresión y el diseño gráfico le permitieron convertirse en el conducto de mayor importancia por medio del cual el suprematismo y el constructivismo fluyeron en Europa Occidental.
Como diseñador gráfico, Lissitzky no decoraba el libro, lo construía al programar visualemnte el objeto completo. Eran importantes las relaciones visuales y el contraste de los elementos, la relación de las formas con el espacio n blanco de la página y una comprensión de las posibilidades de impresión, como la sobreposición de colores. Defendió el potencial del montaje y del fotomontaje para mensajes de comunicación compleja. La composición tipográfica y las imágenes fotográficas era empleadas como material de construcción para armar páginas, portadas y carteles.
1920: el gobierno ruso ofreció apoyo oficial nuevo arte ruso, e incluso buscó publicarlo por medio de un periódico internacional.
Alexander Rodchenko
Era un comunista apasionado que trajo un espíritu inventivo y buena voluntad para inventar con la tipografía, el montaje y la fotografía.
Su interés por la geometría descriptiva lo condujo a la precisión analítica y a la definición de la forma en sus pinturas.
Se interesó por la comunicación visual, debido a que sus puntos de vista sociales.
Produjo diseños gráficos con sólida construcción geométrica y grandes áreas de color puro.
Utilizó tipografías de mucho peso.
Fotomontaje: consistía en mostrar acciones simultaneas, sobreimprimir imágenes, usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, y la reputación rítmica de algunas imágenes.
Fotogramas: fotografía sin cámara.

Bauhaus (1919-1933) Alemania

Antecedente: La liga de talleres en Werkbund (1907-1914)
Tenia como objetivos la estandarización y utilización de la maquina con fines de diseño y establecer una unidad entre el artista, el artesano y la industria buscando elevar la calidad funcional y estética de los objetos.
Racionalización y tipificación de los objetos producidos en serie, síntesis formal rechazando los ornamentos tendiendo a lo constructivo y formal del diseño.
La Bauhaus Surge de la fusión de la Escuela de Bellas artes de Weimar con la Escuela de Artes y oficios de Weimar.
Aparece en una época en que Alemania se encontraba en un estado de efervescencia, marcada por una violenta lucha económica, política y social, producto de la guerra.
Así, es una fusión entre lo artístico y lo tecnológico, en el contexto del desarrollo industrial. Era la consecuencia lógica de la inquietud alemana por mejorar el diseño dentro de la sociedad industrial.
Walter Gropius: se convierte en el primer director de la Buahuas.
Sostenía que uniendo la enseñanza artesanal a la industrial y artística se puede lograr el artista completo , capaz de dominar todos los sectores de la producción.
Manifiesto:
- La construcción como totalidad era la principal mira de los artistas.
- Plantean un sistema particular, organizado con una estructura medieval, ordenada alrededor de un artista y un artesano (maestro)-oficial-aprendiz.
- Curso preliminar: (a cargo de Johannes Itten). los alumnos que ingresaban debían pasar por un curso preliminar de 6 meses. En el se buscaba liberar las aptitudes creativas de cada estudiante, desarrollar una comprensión de la naturaleza física de los materiales y enseñar los principios fundamentales del diseño, que son la base de todo arte visual.
Después del curso preliminar el alumno elegía un taller.
Metodología de experiencia directa. Buscando desarrollar: la conciencia perceptiva, capacidad intelectual y experiencia emocional.

Etapas:

1) Weimar (1919-1924)
En este periodo es importante la influencia del Expresionismo.
El curso preliminar estaba a cargo de Johannes Itten. Además, Kandisky y Klee.
En 1923 Itten abandona la Bauhaus por un desacuerdo en cuanto al manejo del curso preliminar, por lo que es reemplazado por Moholy Nagy (constructivista).
Teo Van Doesburg (constructivista Holandés), a pesar de no formar parte del plantel docente, ejerció gran influencia en los alumnos. La Bauhaus y De Stijl tenían objetivos similares.
En 1923 el gobierno exige a la Bauhaus muestras de lo que estaban trabajando por lo que se realiza la Primera Exposición de la Bauhaus, a la que asistieron 15000 personas y do reconocimiento mundial a la Bauhaus.
El lema de la escuela era “arte y tecnología, una unidad nueva”
La estructura de enseñanza cambia de maestro-oficial-aprendiz a maestro-alumno.

2) Dessau (1925-1932)
Se construye un edificio para la escuela.
En este periodo hay una gran influencia del Constructivismo y De Stijl.
La identidad y la filosofia de la Bauhaus se desarrollan completamente.
Los maestros cambiaron su nombre por e de profesores, y la organización medieval de enseñanza fue abandonada.
En 1926 la escuela recibe el nombre de Escuela Superior de la forma.
Se modifica el currículo. Surgen nuevos talleres:
- Taller de tipografía: dirigido por Bayer (antiguo alumno de la Bauhaus).
- Publicidad.
- Creación de espacios: diseño gráfico 3D
El curso preliminar era dirigido por Moholy Nagy y Josef Albers.
Se comienza la publicación de la revista de la Bauhaus y se editan 13 libros que difundían las ideas de la escuela en relación al arte, el diseño y la arquitectura.

Se desarrolla la tipografía, fotografía, publicidad y comunicación impresa.
Diseño Gráfico:
- Composiciones asimétricas.
- Tipografía con gruesos filetes.
- Uso solo de negro y rojo.
- uso variado de material tipográfico convencional (utillería)
- Impresión de programas, catálogos, invitaciones.
- Uso de la tipografía con caracter experimental.
1928 fue un año duro para la Bauhaus porque muchos personajes significativos se alejan de la escuela. Se van Gropius, Moholy Nagy y Bayer.
El nuevo director es Hanner Meyer, pero solo ejerece 2 años porque renunicia a en 1930. Meyer busca lo funcional de los diseños. Diseños productivos donde no interesa la estética sino la producción.
1930: lo sucede Mies Van der Rohe, arquitecto cuya afirmación “menos es mas” se constituyó en la actitud principal de la arquitectura del sglo XX. Buscaba la máxima expresión con economía de elementos.
Al irse Bayer, el taller tipográfico es dirigido por Josst Schmidt. Se trabaja un diseño variado de la tipografía. Sistema de organización por medio de retícula. Crea un diseño de alfabeto en plantillas.
1931: comienza la persecución nazi: se persigue a los estudiantes y en 1932 se cancelan los contratos a los profesores.

3) Berlín (1932-1933)
Intenta reunirse y seguir sus trabajos en una fábrica abandonada pero ante los inconvenientes deciden darle fin a la escuela.
Muchos se trasladan a EEUU con la intención de continuar el movimiento. Aunque la escuela no pudo sobrevivir al nazismo, pudo proyectarse con el traslado de muchos a EEUU.
Moholy-Nagy: (Húngaro)
- Se inclina hacia el dibujo.
- Se vio fuertemente influenciado por el constructivismo, mas que nada por Malevich.
- en 1922 participa de la Primera exposición en Weimar.
- en 1923 reemplaza a Itten en el curso preliminar.
- Experimenta con las técnicas gráficas (tipografía, fotografía)
- Principio: los textos, especialmente los de caja baja (minúscula) afirman el programa racional.
- Cartel: elemento fundamental. En el, intenta fusiona la tipografía con la fotografía, dando inicio a la fototipografía.
- Buscaba contrastes fuertes
- Uso audaz del color.
- Tipografía como instrumento de comunicación. Los tipos se podían utilizar en todas las direcciones y en todos los tamaños.
- Edita “la Nueva visión”, una publicación en la cual sintetiza los principios básicos educativos de la Bauhaus, con el objetivo de educar al público para que comprenda la labor del diseñador.
Herbert Bayer: (Austríaco)
- En 1921 ingresa como alumno de la Buahaus. Fue alumno de Kandisky y Moholy-Nagy.
- En 1923 realiza su primer diseño importante: papel moneda para el Estado de Turingia.
- En 1925 es nombrado profesor de la Bauhaus del área de diseño.
- Trata de llegar a un alfabeto universal basado en la caja baja, siguiendo las ideas de Moholy-Nagy. Alfabeto simple, sin serif, basado en formas curvas y en algunos casos rectas, construidas racionalmente. Decía que no eran necesarias las mayúsculas ya que en el lenguaje oral o se utilizan y que para lograr las jerarquías se debían usar los contrastes de variables tamaño y peso.
- Para lograr jerarquias y llamados de atención en sus diseños utiliza la utellería gráfica. Trabaja con negro y blanco, ordenando sus composiciones de manera dinámica.
- Tambien introduce en sus diseños el uso de fotografías.
- en 1928 abandona la Bauhaus y se va a Berlín, luego se traslada a EEUU.
Jan Tschichold (Alemán)
- Trabaja de manera independiente a los diseñadores de la Bauhaus pero muy influenciado por el movimiento.
- Aplica idea constructivistas al diseño grafico y tipografico.
- En 1923 asiste a la Primera Exposicion de la Bauhaus y queda impresionado.
- Trabaja con tipografia asimetrica.
- 1928: publica su primer libro: “La nueva tipografía”. Buscaba una tipografia nueva que exprese el espiritu, la vitalidad y la sensibilidad visual de su época. Rechaza cualquier tipo de decoración en favor de un diseño racional. Diseña Tipografías san serif.
- Plantea un ordenamiento en el plano gráfico a basa de una red geométrica subyaciente. (Antecedente de la grilla)
- Utiliza la utillería para dar contrastes y jerarquía.
- también usa fotografía, pero sin manipularla.
- En 1933 es arrestado por los nazis, acusado de crear una tipografía no alemana. Luego se traslada a Basilea, donde continúa su trabajo, peor volviendo a tipografías mas clásicas.
Paul Renner (Alemán)
Crea la tipografía Futura. Palo seco sin serif, con 15 versiones.
Publica el libro “El arte de la tipografía”, donde puntualiza todos los detalles del diseño de la tipografía futura.

Fauvismo

Francia (1905/1908)
Salón de Otoño: Fauves (fieras)
Representantes: Matisse, Derain, Dufy,
Vlaminck.

Características:
- Máxima libertad en concepción y ejecución de las pinturas.
- Imagen de carácter no imitativo. Pintura figurativa pero sin imitacion de la realidad.
- No es escuela, no posee teorías ni manifiestos (mas bien es un grupo de amigos).
- Simplificación exagerada de la forma.
- Gusto por el dibujo y los efectos decorativos del color.
- La linea contorneaba las figuras.
- Temas: temas triviales: paisajes, retratos, interiores de viviendas, naturalezas muertas. No les importa el tema sino el aspecto plastico.
- Color: autonomía cromática, valor inusitado del color. Contrastes agresivos. Preponderancias del color sobre la forma. Contraste de complementarios.
-Técnica: pintura al oleo, cerámica y escultura.
-Influencias:
Puntillismo: uso del color.
Van Gogh: exaltación, color violento y dinámico.
Gauguin: síntesis formal, tintas planas, culto por el primitivismo.
Cezanne: composición estructurada.
Arte negro.
-Diseño gráfico:
Uso de colore brillantes.
Contrastes contrapuestos.
Usos de formas sencillas.
Linea suelta y fluida.
Renovación Fauve:
1) la forma de captar y expresar el color
2) Introducción por el gusto negro-africano (arte no imitativo).

Expresionismo

Alemania (1905/1939)
Antecedente: Van Gogh
En este periodo, la sociedad estaba formada por una burguesía adinerada y poderosa en contraposición al proletariado muy pobre.
Los progresos tecnológicos transformaron el medio social natural en un artificial, produciendose una deshumanización y triunfo de la fealdad.
Influye el pensamiento de la época:
Nietzche: en contra del gobierno.
Freud: el rol del inconsciente en el individuo. Inconsciente como motor de acción.
Marx: el hombre es un juguete de la sociedad.
Darwin: planteos evolucionistas. Baja el status del hombre al relacionarlo con el mono, con lo que desestabiliza el pensamiento de la época.
Características:
-Prima el sentimientos sobre el pensamiento. Expresión del interior y los dramas internos.
- Carácter revolucionario. Arte de protesta. Denuncia contra lo que está sucediendo en la sociedad.
- Clima de pesimismo romántico.
- No constituyó una escuela.
- Auténtico preludio de la guerra (antipositivista).
- Artista: aprende realidad exterior, la vivienda y se expresa.
- Amplia gama de colores, agresividad de los contrastes, preponderancia de las emociones.
- Expresa el alma del artistas, no su habilidad.
- Dibujo explosivo, no se busca representar la realidad.
- Composiciones desordenadas, con un espacio abigarrado y poco profundo.
- Temas: gran ciudad, ser humano destruido, miseria, guerra, ruptura con el viejo mundo y deseo de construir uno nuevo, violencia, locura, muerte, salvajismo sexual.
-Técnica: pinturas, escultura, arquitectura, cine , teatro y xilografías.
- Relación con el arte negro africano y de Oceanía.

Etapas

Puente
- grupo compacto: 4 arquitectos, entre ellos Kirchner.
- Desarrollaron actividades pictóricas y teóricas.
- Experimentación con técnicas gráficas.
- Revista (Der Sturm), órgano de difusión.
- Pintura desagradable.
- Grupo perseguido por los nazis.
- Representan temas relacionados con la sociedad, fundamentalmente a la burguesía y la clase alta.

Jinete azul
- Representantes: Kandinsky, Marc, Macke, y Klee.
- No era un grupo con intenciones politicas ni de denuncia.
- Su interes era artistico plastico, relacionado con una necesidad espiritual profunda.
- Pintura abstraca.
- Pintura relacionada con la musica
- Realizan escritos y manifiestos.
- Publican el Almanaque (1er número)
- Kandinsky: tendencia a la abstracción

Nueva Objetividad (1933/1939)
- Artistas independientes: Grosz, Beckmann y Otto Dix.
- Se da en la época del dominio de los nazis.
- Tratan de volver a la figuración para mostrar la realidad de la situación de post-guerra
- Tema: lo terrible y angustioso de la situación de post guerra, miseria, mutilados, crueldad, personajes militares, etc. Escenas irónicas con exageración de los aspectos negativos.
Diseño:
Uso del graffitti.
Recuperación de la técnica xilográfica.
Uso de la ironía.
Uso de los contrastes agresivos
Uso de contornos negros y gruesos

Dadaísmo – Suiza (1916-1923) -

País neutral en el periodo de guerra.
Se comienza en Zurich, en el Cabaret Voltaire, en una reunión de artistas y poetas guiados por el poeta húngaro Tristán Tzara.
Surge como protesta contra: la guerra, os valores sociales y morales dudosos y la fe superficial en el progreso.
Ideas principales
Modo de vida: anti-artistico, anti-politoco y anti-literario.
Estaban en contra de lo universal y la modernidad. Reaccionaban contra n mundo que se había vuelto loco.

Favorecen:
- La libertad y espontaneidad
- La contradicción
- Lo inmediato
- El absurdo
- La imperfección

Valorizan:
- El gesto
-El escándalo y la protesta
- El azar, lo casual, lo espontaneo e improvisado.
- La ironía y el humor negro.
Técnica: Pintura, escultura, dibujo, grabado, etc.

Novedades:
- Ready Made (Duchamp): se eleva a categoría artística un objeto de la vida cotidiana.
- Fotomontaje (Heartfield-Hausmann): eran generalmente de rechazo político, de denuncia a las atrocidades de la política.
- Assemblage (Schwtters-Tzara: collage tipográfico, crean cosas muy sueltas, libradas al azar, signos constituidos en formas visuales. Collage con desperdicios.
-Rayogramas (Man Ray) -fotogramas: fotografía sin cámara. Se proyectan luces sobre papel sensible para construir formas.

Expansión:
- Alemania: Berlín, Colonia, Hannover.
- Estados Unidos: Nueva York.
- Paris.

Publicaciones:
- Revista Dadá: Tzara 1917
- Revista Merz: Schwitters en Hannover
- Revista 291: Duchamp en Estados Unidos en 1915
- Revista 391: Picabia en Estados Unidos en 1916
Tipografía: Collage tipográfico
Consideraciones óptico-gráficas, usando letras y signos que tiene valores formales para cras campos de tensiones y contrastes.
Técnica: collage de letras y signos pictóricos.
Fotomontaje: se recortan y pegan fotografías de revistas industriales, cartas antiguas, anuncios, etiquetas o páginas de libros y de la combinación de esas imágenes resultan composiciones ricas en asociaciones provocadoras.
Kurt Schwitters (alemán)
Llama Merz a sus pinturas.
Trabaja elementos dispares unidos en la hoja con la ayuda de clavos y pegamentos. Elementos como papeles, trapos pedazos de máquinas, etc.
Sus complejos diseños combinaban elementos del absurdo y azar tomados del dadaísmo con propiedades acentuadas del diseño.
Se relaciono con artistas constructivistas.
Utilizó tipografía muy trabajada. Títulos generalmente en negrita.
A pesar de pretender que ellos no estaba creando arte, sino burlándose y difamando a una sociedad que se había vuelto loca, varios dadaístas produjeron un arte visual significativo que fue una aportaciónpara e diseño gráfico.

Surrealismo

Surge en Francia en el año 1924
El mundo de la intuición, los sueños y el reino del inconsciente.
Automatismo psíquico puro por medio del cual se pretende expresar ya sea verbalmente o por escrito la verdadera función del pensamiento. El pensamiento dictado en ausencia de todo control ejercido por la razón, la estética o por preocupaciones morales.
Andre Breton, fundador del surrealismo, infundió a la palabra toda la magia de los sueños, el espíritu de rebelión y los misterios del subconsciente.
Se expresan mediante 3 manifiestos:
1ero: 1924 literario ( André Breton)
2do: 1930 Afirma conceptos del primer manifiesto
3ero 1940 en EEUU, de la mano de artistas emigrados por la 2da Guerra.

Características:
- Derivan del dadaísmo
- Exalta la libertad como medio para crear
- Se basan en la 1era teoría de Freud: liberación del inconsciente, mundo de los sueños.
- Valoran el humor, la ironía y las contradicciones del hombre.

Se expresa:
- Automatismo psíquico: liberación del pensamiento, similar al del azar dadá.
- Liberación del inconsciente: estado entre sueño y vigilia, inducido por drogas, hipnosis, etc.

Lineas de desarrollo:

-Psiquica (uso en la década de 1920)
Sale del inconsciente, sin control mental.
-Características: arte orgánico, emblemático y
- Formas abstractas: manchas, color, dibujo suelto. vocabulario puramente visual.
Representantes:
Marx Ernest: propone nuevas técnicas como el frottage (se compone sobre el papel mediante frotados); Decollage y calcollage (transcripción de figuras)
Joan Miró: lenguaje visual usado para crear expresiones espontaneas de la vida interior.
Imágenes oníricas (uso en la década de 1930)
Sale del inconsciente

-Naturalismo
Características:
Técnica minuciosa (similar al renacimiento)
Naturalismo cuidadosos (la imagen escapa de un sueño irreal)
Imágenes ambiguas.

Representantes:
Salvador Dalí: método paranoico-critico
Rene Magritte: ilusionismo onírico. Cambios de escala imprevistos. Desafíos a las leyes de la gravedad y a luz.
Aportes al diseño gráfico:
Proporcionó un ejemplo poético de la liberación de espíritu humano, fue pionero de las técnicas nuevas y demostró como la fantasía y la intuición podían ser expresadas en términos visuales.


About this entry